Kategorie: Schauspiel

Wie Georg Büchner fragt Axel Vornam in seiner Inszenierung von »Dantons Tod« nach den Chancen und Konsequenzen revolutionären Handelns

Was ist das, was in uns lügt, hurt, stiehlt und mordet? lässt Georg Büchner seinen Georg Danton fragen. Genau diese Frage hat Büchner auch seiner Verlobten – oder sich selbst – in einem berühmten Brief von 1833 gestellt. Im Stück lässt er Danton weiter sprechen: »Puppen sind wir, von unbekannten Gewalten am Draht gezogen; nichts, nichts wir selbst!«

»Dantons Tod« ist das erste literarische Werk von Georg Büchner. Mit 20 Jahren hat er zu schreiben begonnen, mit 23 Jahren ist er im Zürcher Exil gestorben. Die drei Theaterstücke und die eine Erzählung, die er in dieser kurzen Zeitspanne geschrieben hat, können es aber, was Reife und Modernität betrifft, mit dem Lebenswerk vieler anderer, späterer und älterer Autoren aufnehmen.
Beim Lesen, Hören und Sehen von »Dantons Tod« muss man sich immer vor Augen halten, dass dieses gewaltige, unbändige Geschichtsdrama von einem sehr jungen Mann geschrieben wurde. Und das in einer ganz konkreten, extrem belastenden Situation: Büchner, der sich von Kindheit an für die französische Revolution interessiert und während seiner Studienjahre in Straßburg 1831 bis 1833 die Folgen der bürgerlichen Julirevolution in Frankreich kennengelernt hatte, war aktiv an revolutionären Bestrebungen in seiner Heimat Hessen beteiligt gewesen. Zusammen mit dem Butzbacher Rektor Weidig und anderen Freunden hatte er 1834 die politische Agitationsschrift »Der hessische Landbote« (»Friede den Hütten! Krieg den Palästen!«) herausgegeben, gedruckt und unter das Volk gebracht. Im Oktober 1834 war das Unternehmen durch einen Verräter bereits gescheitert. Büchner musste damit rechnen, wie Weidig und andere Gefährten vorgeladen, verhaftet und eingekerkert zu werden. Bei seiner Familie in Darmstadt stand er unter väterlichem Hausarrest und wurde argwöhnisch von den Polizeikräften überwacht. Die Möglichkeit, politische und soziale Veränderungen herbeizuführen, war in weite Ferne gerückt, wenn nicht unmöglich geworden.
In dieser Situation schrieb der 21-Jährige das Drama der französischen Revolution. Und er schrieb bewusst nicht über ihren Beginn und Aufbruch, sondern über ihr Scheitern und ihr Ende. Georg Büchner zeigt den anderen Georg (Danton) und seine Mit-Revolutionäre an einem Punkt, an dem sie sich nicht mehr als Gestalter, sondern nur noch als Werkzeuge der Geschichte empfinden können: »Wir haben nicht die Revolution gemacht, sondern die Revolution hat uns gemacht«.

An diesem Punkt setzt auch Regisseur Axel Vornams Arbeit mit seinem 14-köpfigen Ensemble an: Er zeigt die Revolutionäre als junge Menschen, die – wie Büchner bei seiner Arbeit an »Dantons Tod« — vor der Frage stehen, ob der oder die Einzelne überhaupt noch die Chance hat, soziale und politische Veränderungen herbeizuführen. Was macht die Erfahrung des Scheiterns aus den Revolutionären, aus ihren Idealen und Ideologien? Endet der radikale gesellschaftliche Wandel notwendig im Schrecken? Frisst die Revolution ihre Kinder? Mit einem Blick auf Ausstatter Tom Muschs monumentales Bühnenbildmodell, in dessen Zentrum ein Becken voller Schlick steht, bringt Vornam sein Konzept für die verzweifelnden Dantonisten auf eine Formel: »Wie fühlt es sich an, mit Tempo im Dreck stecken zu bleiben?«

Andreas Frane, Dramaturg

Dantons Tod
Drama von Georg Büchner
Premiere am 17. November 2012, 19.30 Uhr, im Grossen Haus

»Eine Sommernacht« in den Kammerspielen

Stell dir vor, es ist Mittsommer und es regnet ununterbrochen. Nun ist Schottland, genauer gesagt Edinburgh, nicht gerade als Stadt mit den meisten Sonnenstunden bekannt, aber dass der Regen gar nicht mehr aufhören möchte vom Himmel zu fallen, scheint in diesen besonderen Sommertagen doch ungewöhnlich. Helena und Bob, die beiden Hauptfiguren der »Sommernacht«, haben jedoch ganz andere Sorgen. Die erfolgreiche Scheidungsanwältin, ganz Parfum und Contenance, wird am Freitagabend in einer Weinbar gerade von ihrem verheirateten Liebhaber sitzen gelassen, während der mittelmäßige Kleinkriminelle – völlig verspannt, feindselige Ausstrahlung – in eben jener Bar auf seinen nächsten Auftrag wartet. Beide sind 35 Jahre alt und beide sind sich einig, dass die Nacht nicht mehr viel für sie bereithält. Obwohl Bob so gar nicht in Helenas Beuteschema passt, landen die beiden in ihrem Bett. Nach viel Alkohol und einem eher ernüchternden denn betäubenden One-Night-Stand schickt Helena Bob zurück in die regnerische Nacht. Schließlich ist er aber auch so wirklich überhaupt nicht ihr Typ! Eigentlich Ende der Geschichte, wenn man sich nicht schon am Samstagmorgen und ein paar Wochenendpannen später zufällig wiederbegegnen würde: Helena, die mit einem peinlichen Auftritt die Hochzeit ihrer Schwester ruinierte und nun im ramponierten Brautjungfernkleid auf der Kirchentreppe hockt. Und Bob, der mit 15.000 Pfund, die er bei einem Deal für seinen Chef kassiert hat, irgendwo Zuflucht sucht, da er es nicht mehr rechtzeitig zur Bank geschafft hat. Das ungeplante Wiedersehen ist der Beginn einer schräg-magischen Mittsommernacht, in der das gesamte Geld auf den Kopf gehauen wird. Es ist die Nacht, in der Bob die Gitarre seiner Träume kauft und sich die zwei Mittdreißiger in einem Bondage Club die eigenen Wünsche, Erinnerungen und Geheimnisse preisgeben, von denen der eine oder die andere vielleicht selbst nichts wusste – oder wissen wollte. Und vielleicht, aber nur vielleicht, ist der letzte gemeinsame Spaziergang am Sonntagnachmittag dieses abenteuerlichen Wochenendes der erste Schritt in eine wunderbare Liebesgeschichte des 21. Jahrhunderts. Der Montagmorgen wird es zeigen …

Der Schotte David Greig kreierte einen rasanten Text über zwei Menschen, die so gar nicht zusammenpassen (wollen). Greig selbst sagt über sein Stück es sei keine »herzzerreißende Geschichte über wahre Liebe, sondern das Chaos zweier komplizierter Menschen mittleren Alters« und sei demnach »eine Liebesgeschichte, nur eben über ganz normale Leute«.

In Szene setzt das »Stück mit Musik«, wie »Eine Sommernacht« im Untertitel heißt, die Regisseurin Martina Eitner-Acheampong, die in der Spielzeit 2008/2009 am Theater Heilbronn bereits die Komödie »39 Stufen« inszenierte. Musikalisch wird der Abend vom Heidelberger Produzenten und Komponisten Johannes Bartmes arrangiert. Live-Musik mit traditionell jazzigem Setting aus Klavier und Schlagzeug lassen einen clubbigen Dance-Floor-Soundtrack entstehen, der nicht zuletzt – neben regnerischer Romantik und geheimnisvoller Sehnsucht – auch den Party-Charakter dieses einmaligen Mittsommerwochenendes unterstreicht. Dazu singen Judith Lilly Raab und Raik Singer Songs über großes Gefühlschaos, den Kater danach, Fesselspiele und wenige Zentimeter, die zwischen zwei Menschen liegen, die zusammengehören.

Stefanie Symmank, Dramaturgin

(Fotos: Fotostudio M42)

Nächste Spieltermine:
Sa. 22.09.2012 20.00 – 21.30 Uhr
So. 30.09.2012 20.00 – 21.30 Uhr
Do. 11.10.2012 20.00 – 21.30 Uhr
Sa. 20.10.2012 20.00 – 21.30 Uhr
Mi. 31.10.2012 20.00 – 21.30 Uhr

Alejandro Quintana bringt den Kinohit »Wie im Himmel« auf die Bühne – mit einem Heilbronner Chor

Ich musste diese Geschichte einfach erzählen,« gestand der schwedische Autor und Regisseur Kay Pollak einem Journalisten, »ich konnte nicht widerstehen.«
Die Geschichte, von der er spricht, ist die seines Erfolgsfilms »Wie im Himmel«:
Nach einem Zusammenbruch sucht der weltberühmte Dirigent Daniel Dareus Ruhe und Frieden in seiner schwedischen Heimat. Doch als er sich in dem kleinen abgelegenen Ort unversehens mit der Leitung des Kirchenchors wiederfindet, hat das nicht nur wundersame Auswirkungen auf den Gesang und den Zusammenhalt der Gemeindemitglieder, sondern bringt auch lange schwelende Konflikte und verdrängte Gefühle ans Tageslicht.

Pollak kam mit 66 Jahren und nach einer 18-jährigen Filmpause durch seine Frau Carin auf die Idee zu seinem Drehbuch: »Sie sang in einem Chor, und ich bin immer dorthin gefahren, um sie wieder abzuholen. Dabei lauschte ich dem Gesang und beobachtete den Chor, und nach und nach wurde mir bewusst, dass so ein Chor eigentlich als Metapher für Menschlichkeit stehen kann …« Er führte viele Gespräche mit Chorleitern und -mitgliedern und entwickelte daraus seine Figuren und Geschichten: Da ist Inger, deren Ehe mit dem Ortspfarrer Stig in einer Sackgasse angelangt ist, die von ihrem Mann misshandelte Gabriella mit der engelreinen Stimme und der geschäftige Arne, der gerne auf anderen herumhackt. Da ist vor allem aber auch die enorme Kraft und Energie des gemeinsamen Singens, die (fast) alle hin- und mitreißt und aus der – im Film wie in der Theaterfassung – eine wirkliche, harmonische Gemeinschaft entsteht.
Mehr als zwei Millionen Menschen sahen allein in Schweden 2004 »Wie im Himmel«. Der Kinohit war für den Europäischen Filmpreis ebenso nominiert wie für den Oscar als »Bester ausländischer Film« und zählt auch in Deutschland zu den erfolgreichsten Programmkino-Filmen aller Zeiten. 2007 entstand erstmals eine Bühnenfassung am Theater Konstanz. Für das Theater Heilbronn und sein Ensemble bearbeitete Regisseur Alejandro Quintana das Drehbuch neu. Und um die Wirkung des Chorgesangs beim »himmlischen« Finale besonders hör- und spürbar zu machen, bekommen die Schauspieler Unterstützung vom Heilbronner Heinrich-Schütz-Chor unter der Leitung von Michael Böttcher. Vielleicht macht unsere Inszenierung ja auch dem einen oder anderen Zuschauer Lust und Mut, das wunderbare Erlebnis des gemeinsamen Singens selbst zu entdecken und sich in einem der vielen Chöre der Region zu engagieren?

Andreas Frane, Dramaturg

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»Verbrennungen« von Wajdi Mouawad im Großen Haus

Es gibt Wahrheiten, die man selber entdecken muss, heißt es in Wajdi Mouawads Stück »Verbrennungen«. Und es gibt auch Theaterstücke, die man als Zuschauer selber erfahren muss und soll: Man kann sie nicht erzählen, darf ihr Ende, das kommt wie ein »einstürzender Himmel«, wie das verwirrende Erwachen aus einem langen, quälenden Traum, nicht verraten. So urteilte Bernd Noack auf Deutschlandradio nach der Deutschsprachigen Erstaufführung von »Verbrennungen« im Jahre 2006.
Dieses Stück erzählt eine so unglaubliche, eine so berührende, eine so unvorhersehbare Geschichte – wie sie kaum vorstellbar ist. Eine Geschichte, die alle Gesetze außer Kraft zu setzen scheint, an deren Ende die logischste aller Aufgaben – eins plus eins ist gleich zwei – nicht mehr stimmt. Es ist die Geschichte von Nawal Marwan.
Fünf Jahre lang hatte sie geschwiegen. Dann ist Nawal im Alter von 60 Jahren gestorben.  Ihren Kindern, Jeanne und Simon, Zwillingen von 22 Jahren, hinterlässt sie ein eigenartiges Testament. Jeanne soll ihren Vater finden, von dem sie meint, dass er im Freiheitskampf für sein Land längst gefallen sei. Simon soll sich auf die Suche nach seinem Bruder machen, von dessen Existenz er noch nie etwas gehört hat. Besonders Simon ist wütend, sein Verhältnis zur Mutter war alles andere  als gut. Sie hatte ein Herz aus Stein, glaubt er. Warum sonst war sie so kalt zu ihren Kindern und hat so viele Jahre kein Wort gesagt? Jeanne ist vor allem erschüttert, als sie hört, dass ihr Vater noch lebt und sie sogar einen Bruder hat. Aber sie will sich auf die Suche machen. Vielleicht findet sie auf diese Weise heraus, was hinter dem Schweigen der Mutter steckt. Und sie begibt sich in das von Bürgerkriegen zerrüttete Heimatland der Mutter, aus dem sie in den Westen floh. Jeanne  erfährt, dass Nawal im Alter von 14 Jahren ein Baby bekommen hat, einen Jungen, der ihr sofort nach der Geburt weggenommen wurde. Trotz ihrer Jugend war sie verzweifelt, denn es war ein Kind der Liebe. Sie verließ ihren Heimatort, um ihr Kind zu suchen und um der Aufforderung ihrer Großmutter zu folgen: »Lerne lesen, lerne schreiben, lerne rechnen, lerne reden. Lerne. Das ist die einzige Möglichkeit, um nicht zu sein, wie wir …«

»Verbrennungen« ist auf keinen Fall ein Stück über die Notwendigkeit, seine Wurzeln zu kennen, so wie es falsch ist zu glauben, es sei ein Stück über den Krieg. Es ist vielmehr ein Stück über den Versuch, in einer unmenschlichen Situation seine Versprechen als Mensch zu halten.
(Wajdi Mouawad)

Silke Zschäckel, Pressereferentin

Premiere am 05. Mai 2012, 19.30 Uhr
im Großen Haus

Regie: Esther Hattenbach
Bühne: Geelke Gayken
Kostüme: Alice Nierentz
Dramaturgie: Christian Marten-Molnár
Mit: Julia Apfelthaler, Nils Brück, Judith Lilly Raab, Sabine Unger, Peter Volksdorf, Sebastian Weiss, Ingrid Richter-Wendel